«The Life of a Showgirl: The Encore»: ¿la felicidad arruinó el álbum de Taylor Swift?
Con el lanzamiento de The Life of a Showgirl: The Encore, me resultó curiosa la recepción que tuvo el álbum y, sobre todo, el tipo de críticas que surgieron a su alrededor. No tanto por su magnitud, sino por su contenido. El propósito de está columna no consiste en discutir si las canciones son buenas o malas; honestamente, esa es la parte menos relevante de la conversación. Lo que sí me quiero desglosar es cómo el estreno de un disco puede convertirse en un juicio completamente parasocial, en una ventana hacia aquello a lo que le otorgamos valor y hacia nuestra necesidad de explicar todo lo que consumimos. Ya no nos basta con decir que una canción no nos gustó: necesitamos indagar, señalar las supuestas deficiencias emocionales de quien la escribió, cuestionar sus relaciones sentimentales y justificar por qué la obra no cumplió nuestras expectativas. ¿En qué momento una canción que no nos agrada dejó de ser simplemente eso?
Entre las millones de críticas y la deshumanización que circula alrededor de Taylor Swift, llama mi atención el enfoque hacia su relación con Travis Kelce, a la que culpan de perjudicar su capacidad como compositora. Incluso su propio fandom –sumamente tóxico en estos debates– señala que sus mejores musas fueron aquellos hombres con quienes tuvo vínculos tormentosos o fallidos. Esto me lleva a preguntarme por qué planteamos el arte de esta manera, como si una pareja que te lastima fuera un requisito indispensable para producir obras significativas y valiosas.
La dinámica suele ser predecible: cuando un hombre ya no está con nuestra artista pop favorita, comienza la especulación; luego sale el álbum y, tras él, el linchamiento público. Sin embargo, cuando el furor de un disco desgarrador se enfría, olvidamos versos como:
«At dinner, you take my ring off my middle finger / And put it on the one people put wedding rings on / And that’s the closest I’ve come to my heart exploding».
(«Durante la cena, quitas mi anillo de mi dedo medio / y lo pones en el dedo donde la gente lleva los anillos de boda / y eso es lo más cerca que he estado de sentir que mi corazón explota»).
Claramente, no se trataba de una propuesta de matrimonio, sino de un gesto ambiguo que alimentaba la ilusión de un futuro juntos; la muestra de cómo un detalle pequeño puede crear expectativas dolorosas.Hoy, en cambio, se lanza un nuevo álbum y reproducimos líneas como:
«Forgive me, it sounds cocky / He (Ah!)matized me and opened my eyes / Redwood tree, it ain’t hard to see / His love was the key that opened my thighs«.
(«Perdón, suena creído, / pero él me embrujó –con un «¡ah!»– y me abrió los ojos; / con ese árbol gigante, es obvio: / su amor fue la llave que abrió mis piernas»).
Me limito a traducir este fragmento considerando que esta columna se publica en un medio estudiantil; creo que para el lector resulta suficiente esa última imagen y el resto queda a su interpretación. Por otro lado, hay quienes sostienen que los hombres que inspiraron versos como:
«What a valiant roar / What a bland goodbye«.
(«Qué rugido tan valiente / qué despedida tan insípida»).
–la crónica de una relación que pareció extraordinaria pero terminó de forma decepcionantemente ordinaria– fueron los verdaderos responsables de sacar lo mejor de ella como artista.
Condenamos las relaciones dañinas, pero romantizamos los frutos creativos que producen. Queremos que una mujer sea feliz, siempre y cuando su bienestar no interfiera con el sufrimiento que nos gusta escuchar un domingo de bajón. Al final, parece que no queremos ver feliz a Taylor Swift; peor aún, no nos importa como ser humano, sino como un producto.
Llevamos décadas cuestionando por qué la identidad de una mujer se define a partir de los hombres con los que se relaciona, defendiendo su autonomía y su derecho a que su vida no gire en torno a una pareja. Sin embargo, cuando hablamos de una de las figuras más exitosas de la industria musical, seguimos explicando su talento a través de su historial amoroso. Si escribe sobre desamor, atribuimos su genio al hombre que le rompió el corazón; si escribe desde la estabilidad, culpamos a su novio de su supuesta falta de inspiración. En ambos casos, colocamos al hombre en el centro de una obra creada por una mujer. Esto no significa que Swift deba estar exenta de críticas ni que toda opinión negativa sea misógina. Podemos cuestionar sus letras, su producción o su evolución artística; lo problemático es reducir su creatividad a su vida privada y sugerir que necesita sufrir para recuperar una versión de sí misma que preferíamos consumir.
¿Por qué nos atraen tanto las canciones tristes? ¿Por qué una melodía que nos hace llorar parece más auténtica que una que nos invita a bailar? En 2014, Liila Taruffi y Stefan Koelsch publicaron The Paradox of Music-Evoked Sadness, una investigación que demuestra que la música melancólica genera experiencias gratificantes como nostalgia, ternura y conexión emocional. No buscamos sufrir, sino encontrar significado en esas emociones. Esto explica nuestra fascinación por la intensidad. Hemos construido un vínculo casi romántico con el drama: los amores imposibles parecen más apasionantes que los estables, y las rupturas lucen más dignas de convertirse en «arte profundo». Asociamos el dolor con la madurez, como si haber sufrido más equivaliera a haber vivido más.
Yo también participo, lamentablemente, de esa idea. Siempre he creído que una buena vida es aquella en la que nos permitimos sentirlo todo: enamorarnos, arriesgarnos, equivocarnos y perder. Una experiencia que termina mal no fue necesariamente una mala experiencia, pues el dolor no invalida lo vivido. No obstante, últimamente me pregunto en qué momento dejamos de aceptar el sufrimiento como una parte inevitable de la existencia para convertirlo en un requisito indispensable de sentido. Existe una gran diferencia entre sentir intensamente y necesitar que todo sea caótico para sentirnos vivos.
¿Por qué una noche llorando por alguien parece digna de una película, mientras que una tarde tranquila en la que simplemente estamos bien parece no tener nada que contar? Hemos confundido una buena historia con una buena vida. Las ficciones necesitan conflictos para sostener nuestra atención, pero nuestra existencia –y la de nuestros artistas– no tiene por qué regirse por las leyes del drama. Hay algo profundamente deshumanizante en esperar que alguien sufra para consumir el arte que nazca de su herida. Una cosa es extrañar los discos anteriores de Taylor Swift y otra muy distinta es desear que su vida vuelva a doler para satisfacer nuestras expectativas.
Además, ¿por qué exigir profundidad en todo? ¿Qué tiene de malo una canción comercial, divertida o ligera? No toda la música debe escucharse con el corazón roto; algunas piezas existen para acompañarnos en el tráfico o hacernos bailar. La profundidad emocional es una cualidad valiosa, pero no es la única que legitima al arte: la alegría también puede ser interesante.
Volviendo a lo parasocial, no tenemos la menor idea de cómo es en realidad la relación entre Taylor Swift y Travis Kelce, ni tenemos por qué saberlo. Usar su aparente estabilidad para diagnosticar una pérdida de talento dice mucho más sobre nuestra forma de entender el amor y el arte que sobre su calidad musical. Si el disco no te gustó, es válido dejar de escucharlo o criticar su propuesta sonora, pero analicemos desde dónde nace el juicio.
Al final, esta conversación habla más de nosotros que de ella. Sigo creyendo que vivir plenamente implica abrazar todo lo que sentimos, incluso lo que duele, pero también aprender a valorar la calma. La felicidad no es banal, una canción no requiere ser desgarradora para ser buena y una vida no necesita tragedias para ser extraordinaria. La estabilidad no es aburrida; simplemente nos hemos acostumbrado tanto a romantizar el sufrimiento que aún no sabemos cómo romantizar la tranquilidad.
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